《美国梦魇》拍摄于1986年，当时美国上下正处于“越南战争”的梦魇之中，在电影界也涌现出一大批批判“越战”的经典电影，有如《生于七月四日》《现代启示录》等，而本片是部独立电影，一经推出却淹没在了当时大导演，大制作的阴影之中，但影片《美国梦魇》却又是一部不折不扣的经典电影，影片描述一个从越战归来的士兵，从开始的惶惶不可终日，到最后的精神错乱，无论是导演的拍摄技法，到演员绝对有说服力的卖力演绎，从头至尾都让观众揪心，是不可夺得的经典影片，强烈推荐收看！

　　《通向行星路》的制作期长达三年，它是一部雄心勃勃的意识形态电影，包含着极具开创性的特效和精湛的手工模型作品。这部影片对库布里克《2001太空漫游》（2001：A Space Odyssey，1969）中对失重状态、灼热的星球和旋转式的太空站模型的在现实主义描写有着重要影响。
　　Klushantsev的《通向行星路》捕捉到了太空竞争的时代思潮。按照莫斯科电影官僚的指示，他在影片中增加了苏联第一个绕地卫星的模型。结果，这部五十分钟电影在苏联激起了观众的恐慌。据报道，电影片段在美国电视播放时，有些观众恐慌得晕厥过去。
　　这使得他随后的影片也是他唯一一部标准长片——1962年的《暴风雨之星》让人有点失望。这部影片是这一时期苏联科幻电影知名度较高的一部，故事由一队到金星探索的苏联航天员展开，队伍中有四个男人，一个女孩，还有一个笨重的机器人（这个机器人很明显是效仿了米高梅影片《禁忌星球》（Forbidden Planet，1956）中的机器人角色）。当两个宇宙飞船被流星摧毁时，这一队人被迫在星球表面下降着陆。他们一着陆就遇到恶毒的蜥蜴人，掠夺性的翼龙和食人的植物，而最后，他们得以逃离，回到太空中。

　　彼得·杰克逊早期作品，这部纪录片以翔实的考察，细致地讲述了一段不为人知的电影史传奇，展现了一位默默无闻的新西兰人在20世纪初期为电影作出的革命性贡献。

　　Wunder der Schöpfung is an extraordinary, fascinating Kulturfilm trying to explain the whole human knowledge of the 1920s about the world and the universe. 15 special effects experts and 9 cameramen were involved in the production of this film which combines documentary scenes, historical documents, fiction elements, animation scenes and educational impact. It its beautifully colored, using tinting and toning in a very elaborated way. Some visual ideas in the sequences with a space shuttle visiting different planets in the universe seem to have to be the inspiration for Stanley Kubrick's 2001: A Space Odyssey.
　　In the context of Germany's Kulturfilm phenomenon, Wunder der Schöpfung was among the greatest achievements of the 1920s. The production was constructed, rehearsed, and shot over a period of two and a half years, under the supervision of Hanns Walter Kornblum. The idea to describe the universe and man's place in it well suited UFA's Grossfilm mentality, one year before the Metropolis catastrophe. Hundreds of skilled craftsmen participated in the project, building props and constructing scale models drawn by 15 special effects draughtsmen, while 9 cameramen in separate units worked on the historical, documentary, fiction, animation, and science-fiction sequences. Without star roles or even protagonists, the film's plot is crowded with meticulously structured and skillfully acted single scenes an artful mosaic of small vignettes. No less than four credited university professors ensured the factual background behind the scientific and historical events portrayed.
　　The film's symbol of progress and the new scientific era is a spacecraft, travelling through the Milky Way, making all the planets and their inspiring worlds familiar to us, with the extravaganza of their distinctive features. The film's educational intentions, however, become steadily more obscure, humorous, or even campy as this popularization project proceeds. With the excuse of presenting the end of the world a not-so-new concept as a new, undeniably scientific truth, the film veers happily along a new path, displaying detailed apocalyptic scenes of the end of mankind. For today's audiences, this amazing film demonstrates how the universe was comprehended in the 1920s, and how that view was sold to contemporary audiences.

　　纪录片《Finding Vivian Maier》定于9月份在多伦多国际电影节期间首映。影片揭示她的双面人生：生前才华横溢，却默默无闻做了40年保姆，去世后留下10万多张芝加哥街景和街头人像底片，2007年在一场拍卖会上被电影制片人John Maloof拍得后重见天日，她遂被摄影界公认为是20世纪最伟大的摄影师之一。

　　BARÇA DREAMS is the most complete documentary ever to be made about the story of FC Barcelona, one of the top soccer clubs in the world, highly praised for its legendary figures like Leo Messi, the best footballer of all time, the prestigious coach Pep Guardiola, or the man who revolutionized this sport (soccer and football are used interchangeably throughout the entire text) with his innovative vision: Johan Cruyff. The film narrates the soccer club's long road to fame and acknowledgement, culminating in the generation of players of the stature of Leo Messi, Xavi Hernández and Andrés Iniesta, all of them trained in the famous school of La Masía. It also reveals the secrets of a powerful soccer club that causes admiration worldwide and is closely linked to the Catalan identity, making the motto "Barça: more than a club" a reality. It is a genuine emotional voyage to the heart and soul of the club which Joan Gamper, an undisputable sportsman, founded over a hundred years ago. It rekindles the dreams and ambitions of a long list of footballers who sought glory in one of the most admired soccer clubs in recent times.

　　一部有关宗教巫术的准记录片，世界前50名纪录片第39位。
　　简介：《女巫们》也叫《历代的巫术》，可以看作是一部有关宗教巫术的准记录片。1919 到1921间丹麦导演创作了这部瑞典与丹麦合拍的超越时代杰作，并在该片中扮演魔鬼一角。这部影片构思新奇、造型技巧高超、画面结构严谨，运用富于表现力的特写镜头和动作感强的蒙太奇均很恰当。但是由于宗教原因，这部电影当时被瑞典和其他欧洲国家列为禁片，直到1929年，经过严格删剪的版本才在美国出现。导演也因为当时Hollywood的纳贤口号而移居美国，但也并未得志，郁郁而终。这部作品的意义不仅在于题材的敏感和手法的前卫，在视觉成就方面，本片无疑更是电影史上的翘楚之一。

　　威廉·夏特纳和伦纳德·尼莫伊2001年为纪念DeKelley拍的纪录片，整部就是两个人对话，超级有爱，两位爷爷唠家常的纪录片，看到最后谈到两个人关于人生终点的看法，WS和LN一同坐在LN家里的院子里，晴空微风，绿树绿草，两位老人时而大笑时而严肃的交谈，让人感觉甜蜜又感动，这是ST所延伸的又一份美好。是经历了岁月越发耀眼的珍宝。

　　《温勃树阳光》，又名《光之梦》，西班牙导演Victor Erice 1992年的闷骚作品，在当年的戛纳获评委会奖。
　　
　　在《十分钟年华老去》里，Victor Erice贡献了一段最迷人的短片，他是那种可以让时间在影片里停留的人，所以我对他一直抱有浓厚兴趣。
　　
　　然后看到了这部《温勃树阳光》。影片讲述，或者说再现、参与了一位画家——Antonio Lopez创作一幅新作品的过程。他画的对象就是一棵结满果实的温勃树。
　　
　　一棵树，一个人，一幅作品，整部影片就是在阐述这个关系。它们是互相依存的，但又有各自的生命，只是在这部片里，它们结合到了一起。
　　
　　导演最基本的手法有两种，固定镜头、叠化。比如画家走进屋里，挑选木板，制作画架。这一系列动作，主要是通过某一角度的固定镜头（基本是标准镜头吧）拍摄下来，然后在同一机位进行叠化，目的是省略、压缩了时间。
　　
　　这种手法贯穿了整部影片，我们可以在后面看到，比如在后院拍摄的大全景，包括了那棵树、画架，它们都在同一画面里经过了秋天、冬天和春天。在这些镜头里，你会看到被导演“留在胶片上的时间”。
　　
　　这种方法并不难做，但需要耐心，很好的耐心。
　　
　　除此之外，导演另一个留住时间的方法，就是细致入微地用摄影机观察画家的创作过程。从他拿起画架到后院，选定与温勃树的距离，为自己脚的位置打钉子定位，在果树上用画笔涂上标记——等等一系列细致的有条不紊的近景、特写，捕捉每一个动作和眼神。
　　
　　这好像也不难办到，只要你足够细致，从容。
　　
　　创作的一开始，总是充满激情的，影片的开始，也好像饱含活力。画家轻轻地哼着歌曲，愉快地调着颜料，你听得到画笔在画板上的刷刷声，风吹动树梢的声音。房子里工人在装修，收音机里传来新闻，火车穿过原野，太阳在云层里略过。这一系列素材在Victor Erice的片子里，都是以相当自然的面目呈现。它只表现了一种东西，就是生活。
　　
　　影片接下来的段落，是漫长的、甚至有些无趣地创作过程，时间一天天过去，画布上的树叶和果实慢慢增加着，画家与家人聊天，与朋友聊天，边聊边画，一聊就是好十几分钟。摄影机完全纪录下来这些闲话，镜头里全是自然得到有些“简陋”的光线，甚至都像是用DV拍出来的效果。机位也就是那两个，切来切去。时间在这些片断里，被拉长了，放大了，观众体味到细腻，也体味到了乏味。导演就是这样，让你代入到一部艺术作品诞生的过程。
　　
　　看着看着，我以为自己真是在看一部纪录片，里面的人物、事件，在导演的耐心和细致下，显得那么自然。每件事物都在以自己的节奏，有条不紊地滋长着，包括画布上的作品，包括在一边静静观察的摄影机。
　　
　　十月的马德里，光线变幻莫测，画家总是找不到自己最喜欢的那种阳光照在温勃树上的效果。然后是阴天、暴雨，画家在经过多天的拉锯后，决定放弃进行到一半的油画。重头开始，画素描，这样就不需要受到天气的限制。
　　
　　我不再复述影片内容了，这就像与人谈论自己生活一样，充满了琐碎的片断。《温勃树的阳光》展示了一个创作的过程。一个时间的过程，同时也是空间的。因为它包括一个艺术家与环境的互动，这个环境不光包括了那棵温勃树，还有他的家人，来访的朋友，自然风雨，做画时突然叫起的狗声。这些都很和谐，唯一刺耳的是收音机里播放的战争新闻，它与这个后院里呈现的氛围格格不入，并显得遥远。画家总想要捕捉住温勃树梢和果实上的阳光，但最后他也没能成功，只好改成素描，他说，生活总是这样，你必须得放弃一些东西。
　　
　　画家对着树，在画布上创作；而摄影机对着画家，在胶片上创作。这个意味在结局的画面里表现得更加明显，这也是导演忍不住要表达自己观点的地方。
　　
　　温勃树的果实成熟了，纷纷落地，这幅画已经很难再继续下去。画家把画架搬到了屋里，看着上面的树；家人和工人们吃着温勃果，讨论着它。导演在影片最后，让摄影机和温勃树出现在同一画面里，机器静静对着一颗落下的温勃果，上面白色的痕迹，是画家用颜料画上的标记。
　　
　　《温勃树阳光》，节奏极其缓慢，所以从某种程度上讲，这是部大闷片来的，可能跟你的生活一样闷。

　　这部记录片是《德州巴黎》，《柏林苍穹下》的著名导演文德斯拍摄的，源于他的音乐伙伴莱德库的一次古巴旅行。莱德库在旅行中发现了当地一支乐队背后感人的故事，在他的力劝下，文温德斯在1988年率领摄影组来到古巴，开始了这次著名的拍摄。
　　
　　他用记实的手法拍下了这部电影，于是，早被人遗忘及冷落的这群古巴艺人，随着电影的热卖及专辑CD的出版，重新被人提起。世人彷佛自睡眠中苏醒，再次看见、听见古巴，了解了古巴音乐动人的魅力。
　　
　　这群古巴老乐士用音乐跨越了政治的藩篱，破例获邀进入纽约的卡内基音乐厅演奏。演奏完毕，与会者一致起立鼓掌，让这些老乐士们感动流泪。事后当他们在美国想打电话回古巴报喜，却怎样都打不通，原来两国无邦交……
　　
　　他们的纯真、可爱，都被文德斯生动捕捉。影片一经问世，受到绝大多数人的肯定，尤其在国际大小影展上共获得13座最佳记录片奖，包括欧洲影展、金球奖、美国国家影评人协会、纽约、洛杉矶影评人协会、西雅图、入围奥斯卡最佳记录片等，是近年来国际知名度很高的一部音乐片。

　　Quién lo impide is a call to change our perception of adolescents and youths; our idea of those born in the early 21st century who have recently reached adulthood; those who now seem guilty of everything as they themselves see their hopes dashed. Somewhere between documentary, fiction and pure testimonial record, the young adolescents show themselves the way they really are, the way we rarely see them, or the way they let us see them: taking advantage of the film camera to show off the best of themselves and renew our trust in the future; from fragility and emotion, with humour, intelligence, beliefs and ideas. Because the young people who speak to us about love, friendship, politics or education refer not only to their own situation, but to the things that always matter to us, at any age. Quién lo impide is a film about ourselves: about what we were, what we are and what we will continue to be.

　　本片真实的记录了生活在都市的五位单身女性：有人想谈一场不分手的恋爱，有人 则相信冻卵才是“最有价值的投资”， 有人在家人催促中往返于各个婚恋活动，有人则 是把希望寄托在社交软件, 还有人肩负起单亲妈妈的重任……不同的成长背景、迥异的价值 体系，但她们正在面对人生中同样的 情感命题———在城市化，网络化的多元时代里，我 们面对情感失去了什么？抛弃了什么？忽视了什么？

　　这部关于日本顶级作曲家坂本龙一的纪录片，主要按照2012年到2017年的时间顺序，剪辑了坂本龙一30年前参与《末代皇帝》等电影以及40年前作为YMO乐队成员活动的宝贵片段。Coda在音乐术语中是，Coda是一个乐章最后的段落里强调终止效果的乐段。正如有着匠人精神的坂本龙一，愿将每部作品都当做生命中的最后一部进行创作。

　　14年7月，坂本龙一确诊咽喉癌，遂中止工作。1年后回归，为电影《与母亲生活》《荒野猎人》制作音乐。与病魔斗争、从自然中获取灵感，在媒体艺术、电影领域开花。
　　2015.11.28 wowow放送《坂本龍一の700日》纪录片。主要记录了教授康健复出后为《如果与母亲同住》以及《荒野猎人》制作背景音乐的过程等（music, art and life）。结尾部分为2015-10-31 Avatar Studios, NY live.

　　这部纪录片聚焦自由潜水者约翰娜·诺德布莱德，讲述她如何尝试在不换气的情况下，打破冰下潜水距离的世界纪录。

　　Through outrageous, never-before-seen footage, witness the making of the Jackass crew's last go at wild stunts.

　　艾米·波勒将执导纪录长片[露西尔与戴斯](Lucy & Desi，暂译，工作名)。[海豚湾]编剧马克·蒙雷操刀剧本。该片讲述知名喜剧演员露西尔·鲍尔与丈夫戴斯·阿纳兹之间的个人生活与职业合作。露西尔·鲍尔是美国著名的喜剧演员，在她的一生中，她一直活跃在电影、电视、舞台、电台等各种媒体上，成为了美国文化一个时代的象征。她与戴斯·阿纳兹于1940年结婚，1960年离婚，育有两个孩子。

　　曾以巨作《电影史话》漫谈百年影史的马克·卡曾斯，在全球戏院受到疫情影响而冰封之际，以新作回首过往十年的动荡影像革命。抛开编年叙事，改以跳跃的自由联想，将信手拈来的影像，缝缀成灵光闪现的魔幻诗篇。于阿彼查邦的《幻梦墓园》沉睡，在卡拉克斯的《神圣车行》醒来，看见蔡明亮的VR全景幽灵、 戈达尔的错置3D视角，再从《冷战》的冷冽黑白，倏忽坠入《蜘蛛侠：平行宇宙》的迷幻炫彩……十年彷彿一瞬，电影美好而永恒。
　　这不只是一部影像纪事，更是探究人类集体意识的哲思冥想，镜头同步凝视疫情下的空荡城市及戏院，在清醒与阖眼之间，带领观众叩问真实、想像未来，更从这些记忆犹新的作品，看见自己追逐大银幕的身影。不仅是前作续篇，更是写给下一轮影迷盛世的备忘录。

　　一只河豚宝宝在大堡礁中寻找自己的家，一路游历遍布奇异生物的微小海底世界。

　　皮特·戴维森邀请他的朋友登台共度单口喜剧和音乐之夜，他调侃谣言、免费乘坐飞机和自己怪异的一年。